Qui est Manuel Blázquez?

Ci-dessous tu trouveras une transcription de l’entretien complet, en version bilingue Espagnol-Français. La traduction au français conforme à l'original est fait par Alexandre Grenville .

Partagez!

Quién es Manu Blázquez y de donde viene?

Soy Manu Blázquez, artista visual de Valencia con formación italiana. Me diplomé en el 2009, en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con la especialidad de grabado. Frecuenté la “escuela” de “grafica artística, un departamento ligado a todas esas técnicas tradicionales y contemporáneas de reproducción de imágenes.

No podría identificar el origen de este interés por las técnicas gráficas de reproducción. Pero estando yo en Italia me gustaron mucho los recursos y la historia de Bolonia respecto al mundo del grabado. Entonces decidí iniciar allí mi andadura en este sector.

Qué es lo que te interesa del grabado?

Lo que siempre me ha interesado del grabado, al menos en los inicios académicos, era toda esa parte del proceso, es decir, el grabado te obliga a pensar antes de hacer, y eso es algo que, en primer lugar, va mucho con mi carácter y con mi historia.

Siempre he sido una persona que ha necesitado ese momento para proyectar algo e intentar materializarlo de la mejor manera posible. Pensar antes de hacer; lo cual condiciona muchísimo el día a día de un artista.

Por otro lado, me fascina la parte mágica que tiene dicho proceso: trabajar con unos materiales pero acabar con otro que es el papel. Todo ese trayecto, todo esa parte que no se ve, para luego materializarse en otra cosa que es el papel y con el cual estoy íntimamente ligado.

De hecho, siempre he trabajado en papel y es el medio con el que me siento más cómodo, considero que el papel es un soporte increíble, a nivel físico es muy frágil y, al mismo tiempo, muy potente, tiene unas características plásticas realmente interesantes.

Cómo se materializa en tu obra ese interés ?

Para explicar lo que preguntas debo recurrir otra vez al soporte papel, porque hoy por hoy todavía continuo con dicho “Medium”. Quizás podríamos ir todavía un poco más atrás, al fin y al cabo se materializa por medio de la geometría y las matemáticas, que es mi campo de estudio. Dicha inquietud viene dada en el soporte papel.

Utilizo el papel de modos muy diversos que van desde el grabado tradicional, en especial modo en clave de gofrado (estampación en blanco sobre blanco) hasta llegar a la incisión directa sobre el papel y el pliegue del mismo. Estas son las 3 maneras más recurrentes de operar con dicho soporte.

En casi la totalidad de mi trabajo podemos encontrar piezas donde siempre hay un cierto resultado volumétrico, tridimensional. Quien finaliza ese trabajo realmente es la luz generando una serie de sombras sobre un trabajo que es todo blanco sobre blanco, por lo general dichas sombras siempre son diagonales, de ahí que trabaje sólo con los ejes ortogonales (horizontal y vertical) y nunca con la diagonal.

No me gusta que se me encasille como un artista del papel, considero más importante lo que hay detrás, debajo y paralelamente a ese trabajo. 

Me gusta más decir que repito la diferencia, eso es una constante en mi trabajo. Está muy ligado también al proceso artesanal, es decir, perfectamente podría abordar mi trabajo con métodos más mecánicos o automatizados, electrónicos, etc. Pero hay una cosa fundamental que es el cuerpo que imprimes en un material físico y luego, ese material físico te da una respuesta. En mi caso es la vibración de la línea. Nunca hay un corte igual que otro, nunca hay un trazo igual que otro y aunque a priori puede resultar algo muy frío o muy bien hecho (me refiero al trabajo siempre plástico ), lo que siempre veo es una sucesión de errores.

Lo que hago con el papel, en primer lugar, es comprender sus límites, los límites del formato que yo estoy utilizando y adaptar mis inquietudes matemáticas, secuenciales, etc. a esos límites. El acabado de las piezas o trabajos que se generan es muy dispar dependiendo de la técnica o técnicas que utilice.

Me gustaría investigar también con los mismos conceptos, con los mismos preceptos pero con otros materiales, esa es la idea futura que tengo.

Si te situases como espectador de tu obra, como te gustaría ver tu trabajo ?

Muy difícil. Efectivamente siempre hay veces que ves tu trabajo con cierta distancia, viene expuesto en un contexto que no es el suyo, es decir, que no es el taller. Al final tu contacto con el trabajo es muy directo, me cuesta mucho pensar a ese posible espectador, aunque obviamente uno también lo hace, porque cuando estás en ello, también piensas en cómo mejor transmitir esa idea, sensación, percepción, etc.

Podría hablarte de ideas que una persona podría percibir al observar un trabajo, instalación, intervención y están muy ligadas a la armonía, a la belleza, a las proporciones, al equilibrio, a los ritmos, a la repetición, a la diferencia, entre otros.

Yo creo que la lectura de un trabajo nunca pertenece al artista, el artista es más bien un “Canal”, un transmisor. Te da unas herramientas y con ellas cualquier persona tiene la oportunidad de estar en contacto con esa obra y realizar su propia versión.

Recuerdo muy bien cuando en mi primera exposición individual en la galería Paz y comedias, de Valencia, había un periodista muy curioso que hizo una lectura sorprendente de uno de los trabajos presentados. Se trataba de un políptico de 10 piezas en una mesa, posición horizontal, en la cual habían 2 modelos que se repetían.

En este trabajo lo único de lo que hablaba era de un concepto clásico en la escultura que es el binomio cóncavo y convexo. Dos planos inclinados que subían y bajaban. En esa repetición se creaba un ritmo, y este periodista me pregunta si lo que intentaba decir con este trabajo era “ilustrar las dinámicas del sistema económico global“. De cómo la economía fluctúa continuamente y como se pasa de un estado de crisis a otro un poco mas benévolo. En fin, yo le dije que para nada, absolutamente esa no era mi intención, pero si era su lectura era igual de válida que cualquier otra.

Creo efectivamente que mi trabajo en este caso, hizo una muy buena función. Al final trabajamos para ampliar ese rango visual y de conocimiento, trabajamos para ampliar conocimiento y eso me agrada, cuando hay lecturas que no esperarías nunca.

Yo, como productor del trabajo, siento que la obra está en el proceso. Claro que, la obra que presentas es simplemente ese punto dentro de un proceso, para mí, proceso y obra tienen que encontrarse en el mismo nivel. Lo entiendo como el binomio espacio-tiempo, que no podemos casi separarlo, es inevitable. Para estudiar el espacio necesitas el tiempo y viceversa, es una regla física. Para mi, el proceso sería el tiempo y la obra sería el espacio.

Qui est Manu Blázquez et d’où vient-il? 

Je suis Manu Blázquez, artiste visuel de Valence avec une formation Italienne. J’ai reçu mon diplôme en 2009 à l’Académie des Beaux Arts de Bologne avec comme spécialité la gravure. J’ai fréquenté «l’école» de graphismes artistiques, un département lié à toutes ces techniques traditionnelles et contemporaines de reproduction d’images..

Je ne pourrais pas identifier l’origine de cet intérêt pour les techniques graphiques de reproduction, mais étant en Italie j’aimais beaucoup les ressources et l’histoire de Bologne par rapport au monde de la gravure. Donc j’ai décidé de commencer mon parcours dans ce domaine là-bas.

Qu’est-ce qui t’intéresse dans la gravure?

Ce qui m’a toujours intéressé dans la gravure, au moins pendant mes débuts académiques, c’était toute cette partie du processus, c’est-à-dire que la gravure t’oblige à penser avant d’agir et c'est quelque chose qui, avant tout, allait très bien avec mon caractère et mon histoire.

J’ai toujours été une personne qui a besoin de ce moment pour planifier quelque chose et essayer de le matérialiser de la meilleure façon possible. Penser avant d’agir; ceci conditionne énormément le quotidien d’un artiste.

D’un autre côté, la partie magique qu’a ce processus me fascine : travailler avec différents matériaux mais finir avec un autre qui est le papier. Tout ce chemin, toute cette partie qui ne se voit pas, pour ensuite se matérialiser en autre chose que le papier et avec lequel je suis intimement lié.

En fait, j’ai toujours travaillé sur du papier et c’est le moyen avec lequel je me sens le plus à l’aise, je considère le papier comme un support incroyable, au niveau physique c’est très fragile et en même temps très puissant, il a des caractéristiques plastiques réellement intéressantes.

Comment se matérialise cet intérêt dans ton œuvre ?

Pour expliquer ce que tu me demandes je dois revenir encore une fois au support du papier, parce qu’aujourd’hui je continue toujours avec ce “Médium”. Peut-être pourrions-nous aller toujours un peu plus en arrière, en fin de compte il se matérialise par le biais de la géométrie et des mathématiques, qui est mon domaine d’études. Cette préoccupation est contenue dans le support papier.

J’utilise le papier de manières très variées issues de la gravure traditionnelle, en particulier ce qui dérive du gaufrage (estampage en blanc sur blanc) jusqu’à arriver à l’incision directe sur le papier et le pliage de celui-ci. Celles-ci sont les 3 manières les plus récurrentes d’opérer avec ce support.

Dans la quasi-totalité de mon travail nous pouvons trouver des pièces où il y a toujours un certain résultat volumétrique, tridimensionnel. Ce qui finalise réellement ce travail est la lumière qui génère une séries de teintes sur un travail qui est tout blanc sur blanc. En général ces teintes sont toujours diagonales, par conséquent la lumière travaille seulement avec les axes orthogonaux (horizontal et vertical) et jamais avec la diagonale.

Je n’aime pas que l’on me classe comme un artiste du papier, je considère que ce qu’il y a avant, sous et en parallèle à ce travail est plus important.

Je préfère dire que je répète la différence, ceci est une constante dans mon travail. C’est très lié aussi au processus artisanal, c’est-à-dire que je pourrais parfaitement aborder mon travail avec des méthodes plus mécaniques ou automatisées, électroniques, etc.. mais il y a une chose fondamentale qui est le corps que tu imprimes sur un matériel physique et ensuite, ce matériel physique te donne une réponse. Dans mon cas c’est la vibration de la ligne. Il n’y a jamais une coupe identique à une autre, il n’y a jamais un trait identique à un autre et bien qu’à priori il peut résulter quelque chose de très froid ou très bien fait (je parle toujours du travail plastique), ce que je vois toujours est une succession d’erreurs.

Ce que je fais avec le papier, en premier lieu, c’est comprendre ses limites, les limites du format que je suis en train d’utiliser et adapter mes inquiétudes mathématiques, séquentielles, etc. à ces limites. La finition des pièces ou travaux qui se génèrent est très inégale en fonction de la technique ou des techniques que j’ai utilisées.

J’aimerais également investiguer avec les mêmes concepts, avec les mêmes préceptes mais avec d’autres matériaux, c’est cela l’idée future que j’ai.

Si tu te situais en tant que spectateur de ton œuvre, comment voudrais-tu voir ton travail?

Très difficile. Effectivement il y a toujours des fois où tu regardes ton travail avec une certaine distance, il vient exposé dans un contexte qui n’est pas le sien, c’est-à-dire, que ce n’est plus l’atelier. Au final ton contact avec le travail est très direct, ça me coûte beaucoup de penser à ce possible spectateur, bien qu’évidemment je le fais aussi, parce que quand tu es en lui, tu penses aussi à la façon de mieux transmettre cette idée, sensation, perception, etc.

Je pourrais te parler d’idées qu’une personne pourrait percevoir en observant un travail, installation, intervention et elles sont très liées à l’harmonie, la beauté, aux proportions, à l’équilibre, aux rythmes, à la répétition, à la différence, entre autres.

Je crois que la lecture d’un travail n’appartient jamais à l’artiste, l’artiste est plus un “Canal”, un émetteur. Il te donne quelques outils et avec ceux-ci n’importe quelle personne a l’opportunité d’être en contact avec cette œuvre et réaliser sa propre version.

Je me souviens très bien quand lors de ma première exposition individuelle à la galerie « Paix et comédies », de Valence, un journaliste très curieux a fait une lecture surprenante d’un des travaux présentés. Il s’agissait d’un polyptique de 10 pièces sur une table, en position horizontale, dans lequel il y avait 2 modèles qui se répétaient.

Dans ce travail la seule chose dont il parlait était un concept classique de la sculpture qui est le binôme concave et convexe. Deux plans inclinés montaient et descendaient. Dans cette répétition se créait un rythme, et ce journaliste me demande si ce que voulait dire avec ce travail était «illustrer les dynamiques du système économique mondial ». Comment l’économie fluctue continuellement et comment elle passe d’un état de crise à un autre un peu plus clément. Enfin, je lui ai dit que ce n’était absolument pas mon intention, mais si c’était sa lecture, elle était toute aussi valide que n’importe quelle autre.

Je crois effectivement que mon travail dans ce cas, a réalisé une très bonne fonction. Au final nous travaillons pour agrandir ce champ visuel et de connaissances, nous travaillons pour agrandir la connaissance et cela me plaît, quand il y a des lectures auxquelles tu ne t’attends jamais.

Moi, en tant que créateur du travail, je trouve que l’œuvre est dans le processus. Il est évident que, l’œuvre que tu présentes est simplement un point à l’intérieur du processus, pour moi, le processus et l’œuvre doivent se rencontrer au même niveau. Je comprends comment le binôme espace-temps, que nous ne pouvons quasiment pas séparer, est inévitable. Pour étudier l’espace tu as besoin du temps et vice-versa, c’est une règle physique. Pour moi, le processus serait le temps et l’œuvre serait l’espace.

Manuel Blázquez

Site officiel

Blog